Il y a une foule de raisons pour lesquelles un créateur de musique établi dans un domaine peut souhaiter explorer la possibilité de travailler dans un autre domaine. Il cherche peut-être à élargir ses compétences, à relever de nouveaux défis créatifs, à explorer de nouvelles façons de gagner des revenus, ou tout simplement à changer d’air. Cependant, quelle que soit leur motivation, les créateurs doivent être conscients des implications personnelles et professionnelles d’une transition en milieu de carrière au sein de l’industrie de la création musicale afin de se préparer correctement à cette transition.
Une longueur d’avance
La bonne nouvelle est que même si ces créateurs choisissent de naviguer ce qui est pour eux un terrain professionnel inexploré, ils sont déjà équipés d’une grande partie de ce dont ils ont besoin pour prospérer :
- Étant donné qu’ils travaillent à leur compte depuis des années, ils ont appris et compris les obligations d’être propriétaire et gestionnaire d’une petite entreprise et ces principes fondamentaux ne changent pas beaucoup d’une niche à l’autre.
- Ils peuvent avoir un catalogue d’œuvres musicales leur rapportant des redevances en arrière-plan, ce qui leur procure une partie ou la totalité de la stabilité financière nécessaire pour soutenir leur nouvelle entreprise.
- Ils ont probablement eu de nombreuses occasions d’apprendre à collaborer avec d’autres acteurs du secteur. Et même s’ils ont affaire à des entités entièrement nouvelles dans la prochaine phase de leur carrière, les compétences interpersonnelles qu’ils ont développées (y compris l’art de négocier) leur seront toujours utiles.
- Le temps considérable qu’ils ont consacré à perfectionner leur art signifie probablement que leurs talents créatifs sont plus aiguisés que jamais et prêts à être utilisés de manière nouvelle et passionnante.
Retour à la base
Malgré cela, il n’en demeure pas moins qu’une réorientation de carrière signifie en quelque sorte un nouveau départ pour un créateur de musique. Il y a suffisamment de différences dans ce qui est nécessaire pour réussir pour qu’ils aient besoin d’aborder la plupart des choses du point de vue d’un débutant, en se débarrassant de beaucoup de leurs idées préconçues et de leurs processus, et en s’immergeant dans leur nouveau domaine.
Approche créative
Le passage d’un support à un autre et d’une forme d’art à une autre exige souvent un changement de paradigme dans l’approche créative. Prenons l’exemple d’un auteur-compositeur ou un compositeur de « musique d’art » qui a l’habitude d’écrire de la musique principalement comme une forme d’expression personnelle. Il souhaite commencer à composer à l’image pour la télévision, le cinéma ou les jeux vidéo, ce qui impliquera d’apprendre à se considérer comme un fournisseur de services et quelqu’un qui a la solution à toutes les embûches autant sinon plus qu’un artiste. Il devra être capable de comprendre la vision globale du responsable de la création pour un projet, de déterminer ce que la musique doit accomplir, puis de répondre efficacement à ces besoins par son travail.
Cela dit, il n’est pas conseillé d’essayer de reproduire un son ou un style qui est souvent associé à une niche particulière. Chaque créateur qui réussit possède un caractère artistique unique qu’il doit chercher à exprimer dans les paramètres de chaque projet. Après tout, ils ont bâti leur réputation grâce à ce son et il est fort probable qu’ils trouveront des collaborateurs qui l’apprécient et souhaitent en tirer profit.
Connaissances et compétences
Le fonctionnement d’un secteur de l’industrie de la création musicale peut être très différent de celui d’autres secteurs. Et bien que de nombreuses compétences soient transférables, certaines sont spécifiques à un créneau particulier. C’est pourquoi les créateurs doivent généralement acquérir des connaissances supplémentaires et développer de nouvelles compétences lorsqu’ils décident de changer de secteur d’activité. Cela peut impliquer de suivre des tutoriels, d’observer d’autres créateurs ou même de retourner à l’école.
Dans le secteur des jeux vidéo, par exemple, on attend des créateurs qu’ils aient de l’expérience dans l’écriture de musique pour les médias interactifs et qu’ils possèdent une connaissance approfondie du déroulement d’un jeu. Contrairement aux médias traditionnels, les jeux vidéo peuvent durer des heures et des heures, et le récit change à chaque partie. C’est pourquoi la musique linéaire – avec un début et une fin clairs – ne fonctionne pas. La musique doit plutôt être dynamique, réagir aux événements en temps réel, et le compositeur doit employer certaines stratégies pour dissimuler le fait que la musique peut être en boucle (par exemple, en évitant les points focaux auditifs, en mélangeant l’ordre des « cues », en coupant et en rétablissant le son de différentes pistes dans la même « cue », etc.). Tout cela n’est pas intuitif et doit être appris.
Rémunération
Il y a également une certaine variation dans les flux de revenus disponibles pour les créateurs de musique qui œuvrent dans différents domaines. En se familiarisant avec les contrats types et les fourchettes de cachets recommandés, les créateurs peuvent se préparer à l’évolution de leurs revenus lors d’une telle transition.
La plupart des auteurs-compositeurs ne reçoivent généralement pas de paiements initiaux réguliers, mais comptent plutôt sur les redevances générées par l’utilisation de leurs chansons pour gagner un revenu (sauf s’ils sont également producteurs, auquel cas ils peuvent également recevoir des redevances initiales pour la licence d’utilisation de bande maîtresse). Les compositeurs à l’image et la scène reçoivent presque toujours une rémunération pour l’écriture de la musique originale en plus du revenu des redevances. Et bien que les compositeurs de jeux vidéo reçoivent également une rémunération initiale, la plupart des sociétés collectives ne perçoivent ni ne répartissent actuellement pas les redevances pour les jeux vidéo, ce qui signifie que les frais initiaux sont généralement élevés et que les compositeurs doivent essayer de négocier d’autres moyens de percevoir un revenu résiduel (généralement via un pourcentage des revenus des ventes de la bande sonore).
Mais même si un créateur de musique peut se réimplanter dans un nouveau domaine, il doit veiller à ne pas se vendre au rabais en matière de rémunération. Leurs années d’expérience dans l’industrie sont un atout incontestable et ils doivent en tenir compte lors de la négociation de la rémunération. De nombreux clients et licenciés sont prêts à payer le juste prix pour travailler avec des créateurs chevronnés.
Investissement en temps
La patience est une autre condition nécessaire à une réorientation. Alors qu’un créateur de musique établi dispose probablement d’un réseau de contacts bien cultivé et d’une équipe de partenaires qui peuvent l’aider dans son domaine original, ces connexions peuvent ne pas avoir d’influence dans le nouveau domaine que le créateur a choisi d’explorer même s’il peut s’avérer utile de le demander. Par conséquent, un nouveau réseau doit souvent être construit à partir de zéro – et cela peut prendre beaucoup de temps.
De même, obtenir le premier emploi dans un nouveau média ou une nouvelle forme de création peut être un long processus. Parfois, la meilleure approche pour le créateur consiste à s’adresser d’abord aux collaborateurs qui ont besoin de musique pour un projet particulier, mais qui n’ont pas ou peu de budget, comme les étudiants des programmes de production médiatique. Bien que la rémunération soit maigre ou inexistante, les connexions formées et l’expérience acquise peuvent s’avérer précieuses pour l’avenir.
Il convient également de noter que l’acte de création musicale lui-même exige des engagements de temps différents selon le support, et indépendamment du fait que le créateur soit établi ou non. Par exemple, là où la composition d’une musique de film prend généralement trois à cinq semaines, un créateur peut travailler sur la musique d’un jeu vidéo par intermittence pendant deux ou trois ans, ce qui explique qu’il s’attaque souvent à plusieurs mandats simultanément.
Garder ses options ouvertes
Avec du temps et des efforts, les créateurs de musique qui décident de commencer à travailler dans de nouvelles formes de création peuvent absolument connaître le même succès qu’auparavant. Mais à moins qu’un créateur ne veuille vraiment rompre avec sa « vie antérieure », il n’y a aucune raison pour qu’il l’abandonne complètement. En fait, le fait de travailler dans plusieurs secteurs en même temps peut aboutir à un meilleur équilibre entre risque et sécurité sans parler du fait que la variété des projets pourrait bien contribuer au sentiment d’épanouissement artistique du créateur. En outre, de nombreux aspects de l’industrie de la création musicale s’imbriquent les uns dans les autres – écriture, production et exécution, par exemple – et il est donc souvent utile pour les créateurs de ratisser large et d’être polyvalents.
